salteiro

Nós e todos os outros...

2011-11-19T23:49:00.001Z

Luís Herberto, Dançam nos meus passos...,2011. Óleo sobre tela, 195 cm x 292,5 cm.

Dos corpos pouco gloriosos

2011-11-18T23:45:00.000Z

DOS CORPOS POUCO GLORIOSOS

A primeira evidência que se destaca da nova série de trabalhos de Luís Herberto é a sua qualidade retratística. Todos eles foram realizados a partir da pose dos modelos com quem habitualmente trabalha. Não lhes conhecemos os nomes. Mas podemos identificar com facilidade as feições e os modos, os gestos dos corpos que se prepararam para ser olhados por durante um período de tempo mais ou menos longo, a roupa, enfim, que quase sistematicamente traduz a idade, o lugar social e a função: jovem ou adulto, trabalhador ou ocioso, talvez um (ou uma) colega ou um amigo. Ou mesmo, nada de tudo isto: o retrato, ao fixar na tela a imagem da pessoa retratada, tem esta capacidade de convocar no observador a projecção psicológica e vivencial do retratado. Que pode, ou não, coincidir com a verdade. (Ler o texto de Luisa Soares de Oliveira) 

Luis Herberto: Nós e todos os outros...

2011-11-17T23:14:00.000Z

«Nós e todos os outros…» é o título de uma exposição nos espaços do Instituto Superior de Economia e Gestão nos quais se podem ver as mais recentes obras de Luís Herberto. A inauguração tem lugar no próximo dia 23 de Novembro de 2011 às 18 horas e a exposição encerra no dia 26 de Janeiro de 2012.

ISEG – Instituto Superior de Economia e Gestão. Rua do Quelhas, nº 6 em Lisboa.

Horário: 2ª a 6ª feira das 9h às 21h e sábado das 9 às 14h. Encerra aos domingos e feriados.

Luís Herberto

NÓS E TODOS OS OUTROS…

A exposição de Luís Herberto no Instituto Superior de Economia e Gestão enquadra-se num projecto que conta com a colaboração da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa. A colaboração entre estas duas instituições de ensino superior acontece por causa do interesse, da sensibilidade e da partilha das questões artísticas e culturais do nosso tempo e por causa da oportunidade de se seleccionarem e mostrarem projectos artísticos relevantes, independentemente do seu estado evolutivo poder situar-se nos domínios da génese ou da maturidade.

No caso desta exposição, que se inaugurará no dia 23 de Novembro de 2011, estamos, seguramente, na presença de um trabalho de grande maturidade, resultante do processo criativo de Luís Herberto, fundado na investigação continua em arte que a profissão de pintor requer.

Neste seu projecto artístico, Luís Herberto faz-nos reviver a boa pintura da tradição figurativa da cultura ocidental, expressiva pelo toque, pela denúncia dos gestos e pela insinuação de um tempo-espaço que apenas essa área da expressão artística consegue transmitir. O recurso ao modelo é uma metodologia constante para a representação de atitudes e acontecimentos cuja veracidade extrapictórica é irrelevante. Mas não é irrelevante o modo como o sentido pictórico de L.H. nos mostra esses modelos.

Eles atingem a dimensão de grandes protagonistas, mantendo no entanto velados os conceitos de retrato ou auto-retrato enquanto géneros. Os seus modelos, na intimidade do estúdio, predispuseram-se ao trabalho de serem os representantes de uma geração. Eles estão envolvidos em cumplicidades insinuantes aos olhos do observador, o qual inevitavelmente se confunde entre aquilo que se percepciona e a materialidade física de obra feita com os gestos que modelam as formas, os espaços, a luz e a cor.

A pintura de Luís Herberto recupera, sem preconceitos, os processos oficinais tradicionais, impregnando-a com a dimensão pertinente que a nossa actualidade exige.

Ilidio Salteiro, 2011.

Inauguração da exposição «Palavras-chave»

2011-10-31T01:52:00.000Z

Da esquerda para a direita: Ilidio Salteiro, João Paulo Queiroz, vice-director da FBAUL, João Luis Duque, Preidente do ISEG e Marco Moreiro, autor do Tijolo Branco (uma construcção em papel A4 sobreposto).

Palavra-chave (10)

2011-10-30T23:59:00.000Z

SAMUEL DUARTE

A partir de imagens de explosões de um conjunto de objectos, então fragmentados, surge o caos pictórico. É assumida a fragmentação do objecto, tendo em conta os seus elementos estruturais e não a sua unidade enquanto forma. A estrutura de uma pintura é o desenho e tudo o que lhe é inerente: os seus elementos básicos como a linha, a mancha, os espaços e a cor.

Assim, o objecto esboçado repercute a gestualidade e a impulsividade desses mesmos elementos, como uma explosão. As formas avançam em direcção ao espectador, consciencializando-o da profundidade, espaço e relação entre as mesmas. O dinamismo e a agressividade são reforçados pela gestualidade que o material riscador (material que mais se relaciona com o desenho do que com pintura) proporciona.

Os objectos assumem-se então como poeiras, restos, deixam de ser objectos. Tornam-se formas indefinidas, quase sem contorno, que se fundem e desvanecem no próprio fundo/espaço.

Samuel Duarte, Outubro 2011

Palavra-chave (9)

2011-10-29T23:57:00.000+01:00

TIAGO PEREIRA DE ALEXANDRE

Interna, Urbana eterna.

Dois desenhos: É prática corrente sair do atelier como forma de distanciamento do que estou a fazer e dar longas caminhadas, vaguear pela cidade. Nestas caminhadas tendo a agir como um caçador recolector de informação visual e de material para os próprios desenhos. Tendo a pegar em material orgânico. Pequenos objectos como sementes de árvores, folhas, ramos com formas atractivas, restos orgânicos, coisas que me agradem e que aparentemente foram perdidos, deixados e ignorados. Coisas sem valor aparente mas que a mim me despertem algo pela sua forma, textura ou cor

Os primeiros desenhos tinham o carácter de registo, quase obsessivo, uma espécie de desenho científico. O trabalho começou a tomar direcções apenas quando apareceu. Ao observar o conjunto de desenhos apercebi-me que aqueles registos que em tanto investi para serem tão explícitos poderiam ser aquilo ou outra coisa qualquer. Sugeriam desenhos anatómicos, as notas e as legendas faziam com que parecessem material de estudo e investigação arqueológica, tudo menos o lado naturalista talvez ambicionado. Aumentei a escala. Essa escala suscitou a experimentação de novos materiais e registos expressivos. Os objectos ganharam forças visuais distintas e passaram a ser constituintes de um todo. A Paisagem.

Foi muito importante a articulação entre a figura e o fundo, neste caso o próprio suporte, o papel. O enquadramento e o jogo de equilíbrios e desequilíbrios no espaço do desenho são as minhas fortes motivações no acto de desenhar.

Poisos para Pássaros: Desde a infância que a minha relação com os pássaros se estreita. Começou na época em que corria atrás dos pombos junto à igreja de Moscavide e pedia à minha mãe para me comprar sacos de milho para os alimentar, com sorte agarraria um ou outro pela asa…e as tardes, as tardes passadas debaixo de uma figueira de pistola de pressão de ar em punho, as armadilhas de arame estendidas e o “bisgo”, o bisgo colocado em locais estratégicos com ou sem chamariz.

Com o tempo, a vontade de os apanhar foi diminuindo mas, em contrapartida, as caminhadas pelas Lezírias e a vontade de subir às árvores sempre que vejo um ninho têm vindo a aumentar. São muitos os pássaros do meu fascínio, ainda mais aqueles que apenas pelo seu cantar reconheço.

Há já há algum tempo que linhas verticais e horizontais se apoderaram do meu caderno, nunca tentaram de modo algum ocultar a figura humana, penso que apenas as transformaram em formas quase arquitectónicas. O espaço, esse é o meu fascínio. Os equilíbrios e os desequilíbrios das linhas ligam o chão ao céu.

A junção da palavra Poiso com a forma e as linhas do objecto formou-se a partir da poesia, ou então talvez a partir do momento em que as decidi juntar…

Tiago Pereira de Alexandre, 2011.

Palavra-chave (8)

2011-10-28T01:55:00.000+01:00

ANABELA MOTA

(in) visibilidades do Tempo

O encontro intermitente e subtil entre sucessivas aragens e a superfície da água move a nossa visão das árvores para os seus reflexos e destes para as árvores.

Podemos escolher ficar com as árvores, com os reflexos ou com a intermitência entre os dois estados.

(in)visibilidades são momentos; mas são simultaneamente manifestações desfasadas no tempo, de realidades distintas mas inter-relacionadas. Tal como caminho é o nome que o infinito toma quando nos segreda o mistério, também a aragem e a superfície se combinam sem provocar distúrbio na possibilidade de descoberta do mistério.

Anabela Mota, 2011

Palavra-chave (7)

2011-10-27T23:51:00.003+01:00

MIGUEL PROENÇA

«Abalar o mundo figurativo é colocar em questão as garantias da existência. O ingénuo acredita que a figura é a experiência mais segura que o homem tem de si mesmo, e não ousa negar esta certeza, embora suspeite a existência de experiências interiores. Ele imagina que, ao contrário do abismo da experiência interior, a experiência directa do seu corpo constitui a unidade biológica de maior certeza. [...]

O corpo humano, padrão de todas as formas, contem todos os elementos. A cabeça é uma bola, as pernas colunas cilíndricas, o torso um cubo, etc. Nos apreendemos os objectos e a natureza porque são construídos com formas humanas e a arte tectónica não é mais do que o colocar em conformidade do mundo exterior com os seus elementos fundamentais que vêm do homem.» (Carl Einstein, 1929-30 in Documents)

E é justamente o corpo humano que serve de base para o presente trabalho fotográfico. Mas em vez de certeza e organização este trabalho aponta para a incerteza e a desorganização da forma humana. A forma humana desfigurada, acefálica, animal, horizontal, ou seja, informe. Tudo dentro do convencionalismo da fotografia, claro está.

Miguel Proença, Outubro de 2011.

Palavra-chave (6)

2011-10-26T23:26:00.000+01:00

MATILDE CORRÊA MENDES

Três quadrados de dez metros de vento, video, 2010.

Três quadrados de dez metros de mar, video, 2010.

Se eu considerar 3 quadrados de dez metros de mar (instalação de vídeo, 2008) e 3 quadrados de dez metros de vento (instalação de vídeo, 2010) …

…“A dificuldade consiste em fixar os limites desse quadrado, porque se ele considerar, por exemplo, como o lado mais distante de si a linha em relevo de uma onda que avança, essa linha ao aproximar-se dele e ao elevar-se, esconde tudo aquilo que está por trás dela; e eis que o espaço tomado em consideração se inverte e se reduz ao mesmo tempo. Contudo, o senhor Palomar não desanima e pensa em cada momento que viu aquilo que podia ver a partir do seu ponto de observação; mas acaba por aparecer sempre qualquer coisa que ele não tinha tomado em consideração. Se não fosse por essa sua impaciência de alcançar um resultado completo e definitivo da sua operação visual, o observar das ondas seria para ele um exercício muito repousante (...). E talvez pudesse ser essa a chave para dominar a complexidade do mundo, reduzindo-o ao mecanismo elementar.” Italo Calvino, Leitura de uma onda.

Matilde Correa Mendes, 2011.

«Palavras-chave», ISEG FBA, Outubro - Novembro de 2011.

Palavra-chave (5)

2011-10-25T14:02:00.000+01:00

LUÍS BARATA

Sem título, 2011.
Técnica mista sobre tela, 82 cm x 119 cm.

Cinco planos pintados. Em todos se faz uma alusão consciente à grelha, à grade, ao palimpsesto, numa pintura estenográfica que tende para a monocromia.

Os objectos expostos fazem parte de uma série de trabalhos cuja motivação é materializar imagens fotográficas anónimas, encontradas na internet, remetendo-as para o espaço-tempo da pintura. São representações figurativas de aglomerados urbanos disfuncionais, bastidores da modernidade, espaços de território esquecidos, velados pelos filtros dos mass media.

Esta série de trabalhos trata da função selectiva do esquecimento na construção da memória e da identidade.

Luis Barata, 2011.

Palavra-chave (4)

2011-10-24T01:00:00.000+01:00

ÂNGELA RODRIGUES

Sem título, 2011.

Acrílico sobre papel, 22 cm x 40 cm.

O conjunto de trabalhos que aqui se mostram advém da observação e estudo da paisagem. Com reminiscências do mundo rural e natural, caracterizam-se pelo singular desejo de querer reconstruir a paisagem como cenário ilimitado de vida onde os elementos se fundem em busca de novas composições, explorando graus de abstracção mais acentuados numas do que noutras. Para lá da compreensão verbal, o objectivo é estabelecer uma relação de proximidade entre a pintura e o observador, sendo este convidado a experimentar e a vivenciar cada imagem.

Cada obra é uma matriz na qual se cria, não uma representação do real mas sim, uma representação do irreal, comandada pela memória e pela experimentação, consentindo que matérias cromático-texturais desenhem os caminhos que marcam e definem cada composição.

Ângela Rodrigues, Outubro de 2011

Palavra-chave (3)

2011-10-23T01:49:00.000+01:00

ANA DO SOUTO VASQUES

Red Dream II, 2010

Acrilico sobre tela, 100 cm x 120 cm.

Este trabalho surgiu da reflexão sobre dois grupos de imagens. Um, retratando culturas antigas ou tribais (Índios Australianos ou Africanos, objectos neolíticos, paleolíticos, símbolos religiosos antigos – Arquétipos); outro retratando tecnologia de ponta (espaço e ciberespaço, cenas futuristas e física moderna – Futuro).

Estes dois universos, com, aparentemente, nada em comum, induziram-me a uma reflexão profunda sobre que relação existiria entre o passado (tão longínquo) e um futuro (ainda por concretizar). Ao longo do desenvolvimento do projecto vou entendendo o que une estes dois mundos no meu trabalho, sendo que inevitavelmente resulta numa mistura de estéticas tribais com estéticas contemporâneas.

No paleolítico a imagem era o mito e o mito gerava imagem. A narrativa do significado do desenho era simbólica: já se usavam os símbolos. O homem do paleolítico tinha como necessidade emergente o alimento, isto gerava o trabalho, que ia desde os rituais com desenhos nas paredes das cavernas ou no próprio corpo, até á caça propriamente dita, e que, consequentemente gerava o consumo de alimentos.

O consumo de alimentos seria assim o fim do ciclo e o objecto daquela “arte”.

Hoje, apesar da fome que ainda existe, o objecto dos nossos desejos alterou-se, e o significado das nossas pinturas é mais complexo que nunca.

Ana do Souto Vasques, 7 de Outubro de 2011, Paris.

Palavra-chave (2)

2011-10-22T01:44:00.000+01:00

MARCO MOREIRA

Tijolo branco, 2011.

Folhas soltas de papel A4 cortadas mecanicamente e sobrepostas em forma de tijolo,

19,5 cm x 30 cm x 16 cm.

As obras apresentadas são um conjunto de ensaios, que resultam do início de um estudo que me propus desenvolver, sobre a prática e as matérias do desenho.

O desenho pelas suas características particulares, de ser um acto muito espontâneo e imediato, de estar na génese da criação, incluindo a própria escrita, de ter sido a primeira manifestação gráfica, estética e cultural na história da humanidade, incita a uma reflexão sobre a génese de si próprio.

Desta forma, no meu trabalho procuro convocar imagens e formas, criando um jogo entre significante e significado permitindo assim que exista um diálogo com a prática do desenho e as matérias que tradicionalmente o formam: a grafite e o papel.

Marco Moreira, 06/10/2011.

Palavra-chave (1)

2011-10-21T01:00:00.000+01:00

MARGARIDA CARDOSO

Sansão, 2011.

Acrilico sobre papel, 100 cm x 70 cm.

As narrativas bíblicas do Antigo e Novo Testamento são temáticas incontornáveis na história da Pintura. É feita uma reinterpretação contemporânea tendo em conta os contextos sociológicos e os valores modernos que caracterizam o tempo actual. Nos três trabalhos expostos, só é possível descodificar a imagem através do nome ou do título que lhe é atribuído. É feita uma adaptação pictórica com base em fotografias antigas, onde os protagonistas são maioritariamente membros de uma família que, com as suas poses, vestimentas e expressões faciais, encarnam personagens e cenas do Novo Testamento. Aparentemente, está implícita uma realidade paralela: por um lado a narrativa pictórica, por outro a narrativa literária. Esta última é também uma manobra para o envolvimento do espectador, como autor no trabalho referencial do título que tece uma velatura sobre a pintura em si.

Um exemplo desta transposição é Sansão, representado como um jovem militar, trajando a farda dos comandos portugueses, de frontes sérias, em sentido, com o cabelo acabado de cortar. Conta a história bíblica no Novo Testamento que Sansão perdeu toda a sua força no momento em que lhe cortaram o cabelo. Esta aparente vulnerabilidade está presente em ambas as personagens, tanto a literária como a pictórica. As relações que se possam fazer despertam nos conhecedores da história outras conclusões e discurso. Também é este um objectivo da arte.

Margarida Cardoso, 26 de Outubro de 2011

Palavras-chave - exposição no ISEG com a colaboração da FBAUL

2011-10-20T21:10:00.000+01:00

«PALAVRAS-CHAVE»
exposição de artes plásticas
ISEG - FBAUL
OUTUBRO, 2011

Inauguração: 26 de Outubro às 17h.

Exposição: 26 de Outubro a 19 de Novembro de 2011.

«Palavras-chave» designa um conjunto de palavras que indicam as principais ideias de um texto. Elas sinalizam e delimitam as pesquisas necessárias a qualquer investigação. Este substantivo composto, escolhido como título de uma exposição visual, deve ser entendido como uma metáfora que justifica aparentes dissemelhanças formais e tecnológicas, que inevitavelmente resultam do carácter individual de cada projecto artístico. Mas a aproximá-los está o facto de este conjunto de obras corresponder a dez projectos estruturados em contextos de formação artística superior, muitos deles ainda em desenvolvimento, de acordo com a autonomia criativa que cada um dos seus autores determina.

Foi este o pensamento que estabeleceu os critérios utilizados para a escolha dos artistas e trabalhos que se expõem neste espaço, assim como também serviu para desenhar o conceito implicado no projecto que agora se inicia entre o ISEG e a FBAUL: autores que se encontram num processo de formação artística superior, integrados em qualquer um dos três ciclos de estudos, licenciatura, mestrado ou doutoramento.

Compreendemos que a produção artística não está dependente de uma estrutura académica, mas é nesta estrutura que se propiciam e se incentivam experiências orientadas pelo estudo e pela investigação. Estes investimentos, que no domínio artístico quase sempre começaram com idades muito jovens, quando prosseguem para níveis superiores, constituem uma mais-valia que deve ser ressalvada e valorizada, sobretudo pelas instituições que têm como missão incentivar o aprofundamento do conhecimento.

Nesta exposição, através das produções recentes de Miguel Proença, Ana do Souto Vasques, Luís Barata, Ângela Rodrigues, Marco Moreira, Margarida Cardoso, Anabela Mota, Matilde Mendes, Tiago Pereira de Alexandre e Samuel Duarte podemo-nos integrar nos seus projectos artísticos e constatar que o processo criativo é complexo e que as obras que nos são dadas a ver correspondem sobretudo a um resultado.

Cada um destes artistas corresponde a uma palavra-chave?

Metaforicamente sim, sem dúvida!

Uma palavra-chave tem um universo próprio, disponível para ser aberto, estudado e assimilado, mas também está integrada, com outras, numa estrutura coerente. Compete a cada um de nós estabelecer o grau de aproximação a esse universo, e desse modo ser também parte activa do processo criativo. O risco que correrá será somente o de percorrer caminhos desconhecidos.

Mas este risco foi sempre o mais aliciante da vida.

Ilídio Salteiro, 2011.

Convite para visitar exposição

2011-10-19T21:03:00.000+01:00

As actas do CSO'2011 - Criadores sobre outras obras

2011-06-03T13:47:00.001+01:00

Está disponível desde 3 de Junho, no sítio do Congresso CSO, o volume de actas do último Congreso CSO´2011, decorrido na FBAUL de 15 a 17 de Abril.O volume em pdf, denominado Quando os criadores apresentam obras de outros criadores: Actas do II Congresso Internacional Criadores Sobre Outras Obras - CSO´2011 integra todas as comunicações apresentadas no CSO´2011, num total de 97 comunicações internacionais, constituindo um documento de 679 págs (16 Mb) com o ISBN: 978-989-8300-14-0.

Será que o rei vai mesmo nu?... Anish Kapoor em San Giorgio Maggiore

2011-06-02T16:51:00.002+01:00

Notes from the Venice Biennale: Anish Kapoor's 'Ascension' falls flat before big crowd

Los Angeles Times, June 1, 2011
2:04 pm

Anish Kapoor's "Ascension" simply did not rise to the occasion. The popular British-based artist has done a version of the project before in secular spaces, but this week marked his first go at a sacred space. The idea was to rig the historic Basilica di San Giorgio to create a column of smoke, or shaft of light, that appears to rise from a central well of his own design and ascend all the way to the vaulted ceiling.

But by the time the piece opened last night for the crowds, it looked more like a wisp of steam escaping from a pot of pasta, as in the image at right. The work, one of several dozen "collateral" projects connected to the Biennale, was clearly on the blink.

You might think anyone on the busy Biennale circuit would quickly move on. Think again.

The technical problems, now said to be resolved, didn't stop a steady stream of visitors from claiming the pews near the figment of an artwork and staring into space, as though some revelation were in the making.
After leaving the basilica, Rani Singh of the Getty Research Institute called it a classic case of the contemporary-art emperor wearing no clothes. "What I found humorous was watching all the people pay such close attention to this thing-to nothing."

Ler na fonte

Espanha - Dora Garcia - Bienal de Veneza 2011

2011-05-15T23:15:00.002+01:00

Dora Garcia é representante da Espanha na Bienal de Veneza em 2011.

Nascida em 1967, o seu trabalho desenvolve-se em redor das relações entre o observador, a arte e os lugares, podendo adquirir caracteristicas de performance, ciberarte e hipertexto nas quais o visitante é frequentemente protagonista de acções experimentais. Para a realização destes acontecimentos socorre-se de diversos meios de comunicação tais como o telemóvel, o computador e a internet.

The Tunnel People

El cuerpo humano ha sido estudiado al milímetro, incluso el último refugio de su misterio, el cerebro, está siendo cartografiado tan insaciablemente como el planeta. En un espacio totalmente conquistado para la certeza somática y urbanística, no hay literalmente lugar alguno para albergar las almas. Las almas han viajado bajo tierra, ocupando el subterráneo metropolitano, un piso por debajo de la realidad. Los habitantes del túnel son los elementos suprimidos del consciente colectivo.

UK - Mike Nelson - Bienal de Veneza 2011

2011-05-14T22:26:00.000+01:00

O trabalho que Nike Nelson (britânico, nascido em 1967) desenvolve integra-se no dominio da instalação site especific e nele o conceito de labirinto é a estrutura reconrrente. Foi nomeado duas vezes para o Turner Prieze, nos anos 2001 e 2007. Presentemente é o representante do Reino Unido na Bienal de Veneza e um dos seus trabalhos mais conhecidos é The Coral Reef (2000).

USA, Bienal de Veneza 2011: Allora & Calzadilla

2011-05-12T00:45:00.000+01:00

Jennifer Allora, Guillermo Calzadilla são a dupla escolhida para expore no pavilhão dos Estados Unidos na Bienal de Veneza em 2011.

Naturais do Porto Rico o seu trabalho combina a instalação com a performance, reflectindo análises sobre questões contemporâneas de índole geopolítica.

Inside Art - Biennale d'arte di Venezia 2011

2011-05-12T00:02:00.000+01:00

Art for Art's Sake - Sade for Sade's Sake

2011-05-05T23:14:00.011+01:00

Paul Chan, Sade for Sade's Sake, 2009.Artist, whose work has engaged a wide spectrum of ideas, including natural disasters religious fervors, and international war, sustain his activism, philosophical ideas, geo-politics views, and his vocation as an artist by producing art that is both politically minded and cognizant of the peripheries of philosophical thought. Sade for Sade’s Sake (2009), Chan’s piece for the Venice Biennale, a play on the phrase “art for art’s sake,” is a three-channel animation in which softly focused shadow imagery depicts human bodies in physical movement. These figures talk animatedly, argue, and plea with one another, walk and crawl, are beaten and whipped, and engaged in sexual activities and religious rituals. Interspersed among them are shadows of rectangles, squares, and other shapes that can be interpreted as art work hung on walls, windows in a room, or even devotional objects. The peace has an intuitive rhythmic structure; each forty-five-seconds scene relates to the next like stanzas in a poem. Chan’s visual takes the form of a ballad, and has a rhyming scheme of A-B-C-D. Sade for Sade’s Sake part of a series of works departing from the late-eighteenth-century figures writing offers Chan’s interpretation of the sentiments the Marquis de Sade attempted to evoke. Here are the experiences we have yet to fully understand through conscious thought: sex enmeshed with freedom, violence wrapped up with reason, art entangled in it all. [SN] Making Worlds, (catalogue), Veneza, 53^rd International Art Exhibition, Marsilio, pp. 24-25

Franz West - Leão de Ouro - Bienal de Veneza 2011

2011-05-04T22:48:00.000+01:00

Franz West

Sturtevant - Leão de Ouro na Bienal Veneza em 2011

2011-05-02T23:57:00.000+01:00

Elaine Sturtevant, (ver entrevista) nascida nos Estados Unidos em 1930, vais ser homenageada, pela sua carreira, com um Leão de Ouro na Bienal de Veneza de 2011.

Todo o seu trabalho problematiza a questão da originalidade, através de cópias de obras dos mais diversos artistas, nos ambitos da pop art e do conceptualismo, como por exemplo Andy Warhol, Joseph Beuys, Frank Stella ou Felix Gonzalex-Torres.

Sem comentário ainda

2011-04-29T19:27:00.000+01:00

Ilídio Salteiro, Abril 2011.

Sem comentário ainda

2011-04-28T19:20:00.000+01:00

Ilidio Salteiro, Abril 2011.

(?) I don't believe in art - Uma entrevista com Loris Gréaud

2011-04-26T23:30:00.001+01:00

Sonoplastias

2011-04-25T18:18:00.003+01:00

http://www.youtube.com/watch?v=Kp1IjBycbdI&feature=related://

Susan Philipsz

foi a vencedora do

prémio Turner

em 2010

com uma instalação

sonora

http://www.youtube.com/watch?v=rBLNuFf_FBc

Art & Artist

2011-04-24T17:53:00.000+01:00

The confusion between art and artist is very common. Who makes art is artist! But is this so simple?
If we ask what art is, we must ask what an artist is!
The confusion is higher when someone defines the Great Artists. Who are these great artists?
The site artfact.net shows the position of two hundred eighty-six thousand and twenty-five artists. In the first position is Andy Warhol, in the ninety-ninth position is Richard Long and Loris Gréaud, (Palais de Tokyo, 2008 and Biennale de Veneza, 2011) takes the position one thousand four hundred and fifty-three. Are these the Great Artists? And the others? Are they Great Artist too? When I will finish writing these notes many dozens of Great Artists were born.
The confusion between art and artist results of the confusion between an objective and an adjective.
The objective is the substance that constitutes the essential in building the human values, whatever form that man can however acquire in the logic of Darwin's evolutionary framework.
The adjective is just a degree qualification, which is often applied in a pejorative way to accept what in fact has not been learned yet. The value of this adjective undulates, oscillates or fluctuates in accord with each of us, can not be deliberated by anyone.
When we only see the adjective, we see the artist higher than art. This confusion is not right and can be danger! If persists, will persist also the faith or the belief in dehumanization or the individual against the collective.
Recently were wroten critic words about the work that Susan Philipsz presented in Tate Gallery and that make her the winner of the Turner Prize 2010: It’s not art! It’s music! But nobody critiqued Susan Philipsz like musician. Everybody see her like an Artist that makes something: this something will be art. This is true? I am afraid is not!
So, it is urgent the construction of silos of humanity because we will need their food. Without the food of these silos we will be slaves in the future!

Oh Sami....

2011-04-23T00:39:00.000+01:00

Ilídio Salteiro, Oh Sami!..., 2011.

Manifesto de Istambul, Leonel Moura 2011

2011-04-22T01:33:00.000+01:00

The Istanbul ManifestoMarcel Duchamp’s idea was to make art with the already made.

Our idea is to make art that makes art.Manufacturing is obsolete.

Manual skill leads only to a senseless waste of time. The human artist is not a maker, but a creator. Art is a mind extension, a prosthetic, a machine that just waits to be triggered. The role of the artist is to push the ON button, giving rise to an autonomous product.

Art is fundamentally biological and evolutionary. Art is everywhere. Each life form generates a particular kind of art that spreads from simple patterns to complex symbolic communication. Organisms use chemicals, odors, touch, sounds and vision to produce art. Termites build mud structures; birds make colorful installations; whales sing. Humans assemble machines. These machines produce new designs, elaborate forms and compose images. They play music, dance and perform. Soon they will engender astonishing ideas and have futuristic visions. How can a human artist keep on making drawings, paintings or sculptures with his own hands? How can anyone still believe that art is an exclusive human feature?

A new kind of art is emerging out of proto-artificial life forms. These new artificial organisms are biological in essence. Some have tissues, some mechanical parts and others a combination of both. They think and create. Soon they will reproduce and evolve without human intervention. They will be entirely autonomous. The role of the human artist is to give birth, to activate, to let it go, to lose control. We can make the artists that make the art.

Isn’t it a marvelous sensation to see a machine creating a painting on its own? To show, before our eyes, a competence that our ancestors thought to be exclusively human? Isn’t such a painting the most amazing art work since the first cave etchings? Isn’t it the superb output of a freshly arrived intelligence on earth?

Art is everywhere. Natural life do it. Artificial life do it too. Art is beyond humankind . How can we be insensitive to this extraordinary proliferation of creativity? Why be fearful of what adds, doesn’t subtract? How not embrace enthusiastically this non zero sum game?

Human artists are part, not the whole. Human artists can make a difference by exploring the full extension of creativity. The great artist of tomorrow will not be human.

Leonel Moura

Henrique Garcia Pereira

Ken Rinaldo (04.11)

April 7th 2011, Istanbul, Galata Perform

Random postscripts (LM)

1. What changes in the observer’s perspective when it is observed by a non-human entity?[not to do with Quantum Theory (the observer changes and integrates what’s observed); and, radically not, any supernatural fantasy] [04.15]

2. Descriptions of non-human intelligent forms are subject to an inevitable anthropomorphism. We still call Queen to the reproductive module of an ant colony. But this kind of reductionism will not be possible if the entity to observe is in fact and notoriously the one that is observing us. [04.15]

3. Some of our strongest fears of generating a very intelligent artificial life form stems from this displacement of the centrality of observation that would occur. Like is the case of coming across with a very advanced extraterrestrial life. [04.15]

[to sign the manifesto or for commentaires send an email to arte (x) leonelmoura.com

CSO 2011 – Silos de Humanidade.

2011-04-21T00:07:00.003+01:00

Este foi o bonito título data à comunicação de Isabelle Cattucci da Silva para apresentar o trabalho de arte pública, intervenção e de educação artística de Joaquim Henrique de Aragão, um criador que trabalha muito perto dos seus, reflectindo e partilhando o sentir da comunidade de Iboporã (terra bonita). A simplicidade e a verdade da obra, a qualidade da comunicação e a abrangência do título confirmaram o que todos sabemos mas que frequentemente nos querem fazer esquecer: cada um de nós é o centro do mundo, um silo de humanidade ou ainda uma reserva de muitos alimentos para a alma. Obrigado Isabelle.

CSO 2011 – Ciência

2011-04-20T00:56:00.003+01:00

Em alguns debates deste congresso a questão da ciência e da arte foi aventada.

A Faculdade de Belas Artes pertence à Universidade de Lisboa (UL) que está organizada em cinco áreas. Quatro áreas do ramo das Ciências (Ciências da Saúde, Ciências e Tecnologia, Ciências Jurídicas e Económicas e Ciências Sociais) e Artes e Humanidades. Por isto a FBAUL faz parte da área Artes e Humanidades.

Sendo isto um facto do foro meramente orgânico, que aparentemente não causa nenhuma perturbação, na prática coloca as artes como sua consequência, quando na verdade são elas o elemento essencial gerador de humanidade. Sem arte a humanidade não é verificável.

Mas as Artes encontram-se no local errado tanto quando estão na prateleira das Humanidades como na das Ciências.

As Artes são uma área independente que encontra no homem a ferramenta de trabalho capaz de encher “silos” (ler o próximo post) com o alimento de que é feito o conhecimento cientifico ou humanistico.

Compreendemos sim as Artes, Ciências e Humanidades com três áreas de conhecimento distintas mas convergentes num único objectivo: as inquietações e o homem.

CSO 2011 – Associativismos

2011-04-19T00:06:00.004+01:00

Por vezes quando criadores falam de obras de outros criadores é natural que sobressaia o espírito do associativismo como uma solução capaz de dar resolução aos problemas concretos da profissão tais como assistência social, divulgação de acções, capacidade de ser parceiro social, assuntos fiscais, consultadoria estética, formação, etc… Estamos a falar de aspectos gerais e comuns a todas as profissões.

Claro que não compete a associações profissionais pronunciarem-se sobre a qualidade de cada um dos seus membros. Até não seria democrático. No entanto cada vez que este assunto se aventa no Art World existe sempre quem argumente que as associações são desnecessárias porque tudo está bem como está; os criadores que não queiram ou não saibam jogar com as regras deste jogo são apenas burros.

Mas a arte nem tem regras nem é jogo!

Afirmo isto com conhecimento de causas desconstruídas por pensamentos conservadores e situacionistas, durante os anos 80 em projectos que se estruturavam no associativismo.

Porque será que isto acontece? A fobia ao associativismo no ambito das artes? Creio ser porque o associativismo coloca em perigo o status quo: já tenho alguma experiência de vida e por isso lembro-me perfeitamente de quando duas pessoas se encontravam a falar na rua poderem ser convidadas a dispersar por autoridades policiais para não perturbarem a ordem pública.

Será que esta mentalidade ainda paira?

CSO 2011 - Processos criativos

2011-04-18T23:43:00.003+01:00

O mundo da arte (ou como referiu J. P. Queiroz , The Art World) baseado em classificações (rankings) obtidas através do cumprimento dos critérios da lei e das regras do mercado global, leis e regras que todos conhecem através de leilões, falsas vendas, falsas compras, estratégias de marketing, etc, têm como aspecto negativo o não fomentar a criação de públicos.

Desse modo, com o poder da persuasão, o público só terá olhos para identificar um First One. Mas um First One de que realidade? Da realidade europeia? Portuguesa, chinesas, ou americana? Da realidade anglo-saxónica? Mas será que esta é a única realidade? Será que nós somos anglo-saxónicos?

Com este congresso a organização teve a coragem de fazer sobressair duas realidades: a primeira será a realidade do mundo ibérico, conhecedor, culto, criativo, construtivo, capaz de formular perguntas e encontrar respostas, com uma enorme vantagem sobre todos os outros mundos que é ser simultaneamente diversificado, jovem e ancestral. A segunda tratou-se de abrir um espaço de diálogo entre criadores e as obras dos seus pares.

Esta última realidade contribuirá certamente para a urgente retirada das artes do enclave em que se situa como coisa dependente, adjacente e supérflua e vê-la como uma área de conhecimento autónoma.

CSO 2011 – Criadores Sobre Outras Obras

2011-04-17T23:37:00.003+01:00

Nos dias 15, 16 e 17 de Abril de 2011 decorreu na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa o 2º congresso Criadores Sobre Outras Obras, com cerca de 90 comunicações oriundas de todos os países do mundo de expressão ibérica. A apreciação e a revisão científica das comunicações foram feitas no sistema double blind review (revisão cega). Salientamos:

Excelente organização.

Excelentes comunicações.

Presença forte de jovens criadores.

Revelação de diferentes processos criativos.

Vontade de se construir um espaço de debate especifico da produção criativa.

Os congressistas ressuscitaram a capacidade que os credibiliza para se referirem ao trabalho dos seus pares. O desvelar do processo do outro foi o essencial de cada apresentação. A dimensão conceptual da obra não pode dar lugar ao preconceito.

Foi apresentado um vastíssimo número de ideias com uma inquestionável mais valia artística, cultural e social.

Um abraço de parabéns a todos os participantes: organizadores, palestrantes e público.

As normas de participação no próximo congresso estão publicadas na Revista Estúdio, nº 3, 2011, FBAUL, CIEBA, 2011, na qual se encontram publicadas algumas das comunicações agora apresentadas.

Museu, mapa, ícone e stress

2011-04-02T21:14:00.002+01:00

Museu é um membro da urbe. Define um centro. Este centro é um lugar sem tempo. Um lugar onde todos os tempos se encontram sobrepostos. ... O museu corresponde ao reconhecimento universal da humanidade. Mapas e mundos têm uma relação estranha: Qual deles nasceu primeiro? O mapa ou o mundo? Se os mapas representam o mundo, deveria ter sido este a nascer primeiro. Mas é frequente acontecer o contrário: Primeiro fazer-se o mapa e depois fazer-se o mundo. ... A Pintura é um mapa que faz mundos. Os ícones representam entidades estruturantes dos comportamentos colectivos. Os ícones são heróis com a função de referenciar os mundos! O que se faz primeiro? O herói ou o ícone? Há heróis sem ícone e ícones sem heróis? O mundo não é homogéneo nem rectilíneo. As janelas persistem e cada uma delas expõe um mundo diferente. ... A existência de um mundo único e verdadeiro era cómoda e estável. O contrário é stressante.

(I. Salteiro, 2011)

A Pintura na relação Artes, Ciências & Humanidades

2011-03-31T23:48:00.004+01:00

Ilidio Salteiro, O Centro do Mundo, suportes e dimensões variadas, 2007-2011.

Resumo: As artes não servem apenas para iluminar as ciências. As ciências não servem apenas para o fornecimento dos meios tecnológicos das artes. As humanidades não são apenas justificação e alimento para a arte. A arte não é apenas um testemunho. As artes, ciências e humanidades são complementares. Os seus processos de investigação são semelhantes na criatividade e nos resultados. Estes resultados, obtidos através de experiência oficinal ou laboratorial, correspondem às substâncias que fazem novos todos os mundos. A Pintura, integrada na área das artes, não é apenas forma, representação ou testemunho, não é apenas quadro nem tecnologia. Ela também faz mundos. (Ler o artigo)

O Museu

2011-02-19T12:55:00.001Z

Os museus são geralmente entendidos como lugares de aprendizagem e inspiração, como a casa das musas. Embora os primeiros museus tenham as suas origens nas primeiras colecções formadas na era helenista, e em Alexandria dos Ptolomeu, em particular, a instituição como a conhecemos hoje é essencialmente uma criação do Iluminismo, no final do século XVIII. Como outras instituições do Iluminismo, o museu foi interpretado com uma função educativa, como sendo um local capaz de organizar e expor os testemunhos da arte e da natureza. Inerente a esta concepção do museu é a ideia da instituição como espaço público, dedicado à difusão do conhecimento. Esta noção do museu contrasta em absoluto com o tesouro medieval ou gabinete de curiosidades da Renascença, onde as raridades eram reunidas tanto como troféus como para uma contemplação privada associada ao lazer. Mas olhar para a arte é tanto uma experiência sensorial como pedagógica. Recentemente, o museu tornou-se a catedral ou templo dos nossos tempos, um lugar de experiência "religiosa" ou quase-religiosa. A oportunidade para se usufruir de momentos tranquilos a contemplar arte, muitas vezes em espaços arquitectónicamente distintos, permitindo que o repouso espiritual e a regeneração intelectual, tão essências ao bem-estar emocional e psíquico de todos. (Ler tudo: The Museum as Muse: Artists Reflect, organizado por Kynaston McShine, Nova Iorque, MoMA, 1999, p. 7.)

Retábulo

2010-01-18T16:56:00.001Z

Ilidio Salteiro, Desenho de retábulo 4/6, 2004.

Conferência proferida na FBAUL em 18 de Janeiro de 2010:

Retábulo

Do retábulo ainda aos novos modos de o fazer e pensar

A vida como experiência e a arte como modo de estar e intervir na vida são o pensamento que orienta o processo criativo que pratico. Mas nesta relação entre a vida e a arte não são apenas as emoções que comandam. A obra é também comandada pela razão, pela força do conhecimento, pelo desejo de mudança, pelo investimento, através da investigação e da experimentação. Assim, inquietação e pensamento são duas verdades presentes em confrontos explícitos entre expressão e geometria ou entre ícone e figura. (LER MAIS)

A Dança

2010-01-06T13:14:00.000Z

ILIDIO SALTEIRO
Dança no Canal do Panamá, 2009.
Óleo sobre tela, 150 cm x 204 cm

A aparente dissemelhança entre os quatro trabalhos expostos nesta exposição colectiva, tendo a emoção e a forma a separa-los, tem, no entanto, o pensamento e a razão a uni-los.
Em 2007 iniciei um projecto intitulado O centro do mundo é aqui! Trata-se de uma abordagem aos aspectos da globalização em confronto com o interesse individual. Esse projecto, ainda em desenvolvimento, está organizado em dez partes: uma delas refere-se aos pontos de conflito. Dança no Canal do Panamá enquadra-se nesta parte.
O canal do Panamá (1904-1914) estabeleceu a ligação marítima entre o Atlântico e o Pacífico substituindo a anterior ligação pelo estreito de Magalhães. Faz a divisão entre as Américas. É por isto, e naturalmente, um ponto sensível de interesses estratégicos.
As duas Danças de Matisse, uma de 1909 e outra de 1910, repetidas em formatos semelhantes, com jeito tribais, remetem-nos para o movimento de cinco corpos dançando em redor de um centro; os centros são os pontos de conflito a partir dos quais tudo se organizará.A Dança no Canal do Panamá, uma colagem de um arquétipo da pintura ocidental sobre um ponto de conflito latente, faz parte de um conjunto mais vasto de outras pinturas, com outros pontos de conflito (Mar Vermelho, Guantamano, CERN, Mar Morto, Mar Aral e Olho do mundo), todas executadas em óleo sobre papel. Pretende-se com o papel que o carácter circunstancial da dimensão politica e da opinião informada se mantenham porque é sobre ele que as decisões acontecem.

Omnipresenças

2010-01-05T13:12:00.000Z

ILIDIO SALTEIRO
Omnipresenças, 2006.
Óleo sobre tela, 150 cm x 100 cm

A aparente dissemelhança entre os quatro trabalhos expostos nesta exposição colectiva, tendo a emoção e a forma a separa-los, têm, no entanto, o pensamento e a razão a uni-los.
Em 2006 iniciou-se uma guerra: a guerra do Líbano. Antes e durante houve muita informação, muita imagem, muitos comentários e opiniões mas, posteriormente, uma penumbra invadiu o “teatro das operações” até se atingir uma escuridão absoluta como se nada tivesse acontecido.
Pouco a pouco esta guerra foi transformada num “processo arquivado na história” com um nome, uma data, muitos relatórios e dados estatísticos.
Esta informação técnica sobre mundos desfeitos a que nos habituaram, significa uma permanente vigilância por entidades mecânicas amigas, inimigas, protectoras ou agressoras mas, sobretudo, capazes com a sua omnipresença, de reduzirem ao ínfimo a condição humana.
Hoje qualquer guerra, quando não vivida por dentro, é semelhante. Apenas diferem os locais, os protagonistas e os meios.

O Fato do menino

2010-01-04T13:09:00.000Z

ILIDIO SALTEIRO
O Fato do Menino ou Portugal, 2002.
Óleo sobre tela, 200 cm x 150 cm

A aparente dissemelhança entre os quatro trabalhos expostos nesta exposição colectiva, tendo a emoção e a forma a separa-los, têm, no entanto, o pensamento e a razão a uni-los.
O fato do menino e Portugal são apenas duas referências possíveis. A obra que lhe serviu de suporte conceptual é um retrato de Don Manuel Osório Manrique de Zuniga, filho do Conde de Altamira, pintado por Francisco Goya. Os seres vivos representados, para além da criança, são três gatos que olham atentamente para uma pega (símbolo cristão da alma) que o menino segura por uma corda e canários dentro de uma gaiola (símbolo de inocência). A alma, a inocência e os medos rodeiam D. Manuel, representado como um menino Jesus vestido pela luz vermelha do seu fato.
Que feitos terá feito esta criança para ser merecedora de tal distinção? Sozinha naquele espaço, dominadora sobre todas as espécies, apenas o fato vermelho se sobrepõe em importância.Na actual pintura nenhuma desta simbólica permaneceu. Resta a forma de um fato, resta a luz, sobressaem elementos de uma outra natureza simultaneamente outonal e verdejante. E restam ainda, ironicamente, as inocentes fragilidades dos poderes instituídos e ancestrais.

Deposição

2010-01-03T13:02:00.000Z

ILIDIO SALTEIRO
Deposição, 2000.
Óleo sobre tela, 158 cm x 200 cm.

A aparente dissemelhança entre os quatro trabalhos expostos nesta exposição colectiva, tendo a emoção e a forma a separa-los, têm, no entanto, o pensamento e a razão a uni-los.
A Deposição é uma pintura cujas motivações se fundamentaram em dois momentos muito diferenciados. O primeiro, a Deposição de Roger van der Weiden (1435), com dez figuras que se recortam sobre um fundo sem profundidade como se de baixos-relevos se tratassem, corresponde a uma aproximação ao estatuto de retábulo, tão característico da cultura ocidental. O segundo momento refere-se a uma experiência vivida nas margens do estuário do Tejo, ao longo de cerca de 10 anos, observando barcos à espera dos restauros que muito raramente chegaram.
Esta Deposição é a última pintura de um conjunto de três outras também alicerçadas na iconografia da cultura cristã. A primeira é O Ninho, numa alusão ao nascimento e ao início, a segunda é As Montanhas numa alusão à fuga para o Egipto e aos percursos e, por último, a pintura que aqui se expõe, numa alusão ao fim e ao reinício.

Barcas nas praias do rosário

2010-01-02T12:55:00.000Z

Ilidio Salteiro, Barcas nas praias do Rosário, 1985.

A aparente dissemelhança entre os quatro trabalhos expostos nesta exposição colectiva, tendo a emoção e a forma a separa-los, têm, no entanto, o pensamento e a razão a uni-los.

Fábrica Braço de Prata

2010-01-01T12:46:00.000Z

Inaugura no proximo dia 7 e estará disponível ao público até ao dia 31 de Janeiro de 2010, na Fábrica Braço de Prata em Lisboa uma exposição com obras de Carlos Farinha, Gilberto Gaspar, Ilídio Salteiro e Luís Herberto.

Arte & Ciência / Pintura

2009-12-12T03:03:00.000Z

Com Duchamp o paradigma da arte desestabilizou-se. Questionou-se a obra-prima e o museu. Este foi interrogado sobre as suas funções de veículo legitimador da obra-prima e referido depreciativamente como armazém onde o entendimento das coisas aí guardadas seria como antiguidades. Estes conceitos, de armazém e antiguidade, não se revelaram relevantes para a qualificação da Arte desses tempos modernos.
Duchamp e os ready-made, Dubufet e a ingenuidade criativa, Burri e o informalismo matérico, Bueys e a sobrevalorização da dimensão conceptual das coisas, são apenas alguns dos responsáveis pela disseminação do conceito de objecto artístico por tudo e por todos, enquanto produtores ou observadores, concretizando a utopia das utopias, o ideal dos ideais: tudo é arte, todos somos artistas, sejam os que observam, sejam os que fazem... (Ler mais)

Tratados de Pintura

2009-11-16T19:53:00.004Z

Ilidio Salteiro, óleo sobre tela, 30 cm x 30 cm, 2009.

Todos os “objectos” são fabricados pelo homem e o seu fabrico precisa do saber de todos os ramos do conhecimento. O conhecimento das humanidades e o conhecimento das ciências juntam-se para os construírem. Estes “objectos” são tudo aquilo que ajuda o homem a suplantar as forças naturais e desse modo habitar e reinar sobre as outras espécies. De todos eles, uns serão comuns, outros serão sublimes, mas todos cumprem o mesmo devir: auxiliar a sobrevivência do Homem na Natureza... (ler mais)

Artistas são como livros em estante.

2009-05-15T23:29:00.001+01:00

Há uns anos atrás, num fim de tarde de Verão e escondido por detrás de um muro coberto de hera, ouvi um artista alto, ligeiramente corcunda, activo quanto baste, de t-shirt azul escura e com idade bastante para ser célebre dizer numa reunião de amigos no quintal da casa:
Em Portugal existem apenas vinte artistas.
Fiquei surpreendido com tal afirmação, vinda de quem veio.
Primeiro pensava-o mais acompanhado!
Senti pena pela sua solidão.
Mas depois interroguei-me sobre a que artistas ele se referia:
A pintores como ele? Ou artistas plásticos como ele também? A músicos? A escritores? A bailarinos? A actores de teatro, cinema ou de rua? Ou a quem?
A razão do meu pensamento deveu-se ao facto de não esperar essa concepção num autor cuja obra considero como relevante no panorama nacional.
Ou será que, não sendo encontradas sintonias entre o pensamento do autor e a sua obra, esta não é da sua autoria?
Pensava ser claro para todos, e para esse pintor também que, depois de Duchamp, todos somos artistas, todas as coisas podem ser arte e todas as fronteiras da arte foram derrubadas. E quer se queira quer não, passados quase cem anos, já foram vividas todas as consequências dessa verdade.
Pensava ainda eu que, sendo esse pintor uma consequência disto mesmo, ele disso tivesse consciência.
Ingenuidade a minha e por conseguinte erro meu!
Duchamp provou que os artistas são como livros em estante, nos quais as diferenças de tamanho, de formato e de peso não encontram correspondência alguma com o valor que a sua obra transporta.

53.º Bienal de Veneza

2009-04-30T23:24:00.000+01:00

53.º Bienal de Arte. Exposição Internacional de Arte
Fazer Mundos.

Os museus

2009-04-19T17:36:00.003+01:00

Hoje os mentores e construtores de museus acotovelam-se nos orgãos dos poderes para assinarem um projecto de museu, seja este do que for (ler post).
Estes espaços servem para receberem e guardarem as riquezas colectivas produzidas e adquiridas por qualquer núcleo urbano, e perpétuam memórias.

Por isso os museus são ex-libris.
Os seus conteúdos promovem o conhecimento e o desenvolvimento através de exposições, festas, espectáculos etc.
A liturgia que se verifica nestes espaços é semelhante à liturgia dos espaços religiosos por causa da exigência colocada no ver, no ouvir e no interagir, na percepção e na contemplação, no usufruir, no dialogar e no partilhar.

Por dentro os museus são como as catedrais góticas na época medieval, por fora são côdea.

O todo é o todo e não apenas a parte

2009-04-17T01:07:00.001+01:00

Caro Varatojo
Muito obrigado pelas simpáticas palavras sobre o meu blog.
A produção artística na área da Pintura tem sido desde sempre, para mim, um espaço de actuação. Como produtor, como professor, como interveniente, como observador (sem estatuto de critico).
Tento perceber a necessidade incontornável de fazer arte seja ela de que formato for, tanto em mim como nos outros.
Vi o seu blog com atenção (ver) e também lhe retribuo os parabéns. Transparece claramente um amor pela arte e uma qualidade expressiva bastante forte na representação de gestos comuns entre todos nós. Verifico também uma grande actividade expositiva. Isso é muito bom. É mesmo o essencial, porque esta tarefa é um trabalho em desenvolvimento continuado permanentemente. Nunca acaba! Continuará mesmo depois de nós. Força para isso!
Não veja nestas palavras uma linguagem de crítico, porque não o sou nem o desejo ser. Eu desejo sobretudo estimular o lado produtivo e não fazer selecções com a pretensão de seriar verdades. Toda a produção é um contributo positivo para o bem comum enquanto a selecção implica uma negação.
O todo é o todo e não apenas a parte.
É por causa desta politica selectiva, na qual nunca ninguém será unânime e suficientemente bom, que não temos um museu de arte contemporânea.
Ilídio Salteiro (2009)

Poder

2009-04-16T10:59:00.000+01:00

Elmgreen & Gragset, Powerless struture, Museum of contemporary art, 2002

Autonomia do modelo

2009-04-14T14:58:00.001+01:00

Cindy Sherman, Untitled #470, colour photograph, 227.3 cm x 158.8 cm, 2008.

...«To create her photographs, Sherman shoots alone in her studio, assuming multiple roles as author, director, make-up artist, hairstylist, wardrobe mistress, and of course, model. The idea and experience of getting dressed up and putting on a show is central to Sherman’s practice, yet Sherman is also careful to closely manage the detail of each performance. Every bulge of flesh, strand of hair, rouged cheek or wrinkled brow is deliberately orchestrated to construct a vividly real yet curiously inscrutable character. The tension between pathos and alienation which Sherman’s figures evoke in the viewer are heightened by the contexts in which they appear, always obviously staged and cleverly apposite. Her creations are photographed in front of a green screen, and then digitally inserted onto backgrounds which are shot and manipulated separately, scenarios which elaborate and complicate the narrative constructed by Sherman’s garb and gaze»... Sprüth Magers London, CINDY SHERMAN, 16 April - 27 May 2009.

Museu?

2009-04-12T17:27:00.003+01:00

I. Salteiro, óleo sobre tela e madeira, 65 cm x 55 cm, 2007.

Não tenho dúvida nenhuma de que uma sala de chá pode ser um museu.

E que tudo pode ser um museu.
E que um bric-à-brac de luxo também o pode ser.
Diz-se que a arte é objecto de luxo e que o museu é o lugar da arte.
Então luxo será museu.

Fim!.
Mas o museu não é assunto inquestionável.
Não basta existir museu!
O museu, sendo côdea e miolo, é sobretudo um bem essencial.

Porquê?
É preciso saber o que é o museu e que museu se quer!

Bérrio

2009-04-09T16:41:00.002+01:00

I. Salteiro, Bérrio ou atrás de uma vaga existe um oceano (ler post neste blog em 11/5/2008), impressão digital, 200 cm x 200 cm, 1999.

[Bérrio foi o nome da embarcação que primeiro chegou a Lisboa com a notícia da descoberta do caminho marítimo para a Índia]

A tarefa da Pintura

2009-04-03T05:34:00.000+01:00

Foi árdua a tarefa que me incumbiram.
Não sei como nem porquê.
Talvez que uma historia, num determinado dia e momento (Novembro de 1972), protagonizada pelo Mestre Lagoa, por Giotto, por Almada e por Pessoa tenha construído um tetragrama motivador (ler mais sobre esta história).
Em 1965, já tinha encarnado Pessoa declamando «O Mostrengo» (1918) perante uma vasta assembleia, muito benevolente, não sei se traumatizada pelo meu dizer. Esta performance foi largamente imbuída pelo espírito de despedida familar ocorrida um pouco antes na gare Marítima de Conde de Óbidos
A tarefa que me estava destinada foi a tarefa da Pintura nas suas múltiplas vertentes: investigar, experimentar, fazer, divulgar e ensinar.
Que me desculpem aqueles a quem ensino porque nunca estarei à altura do Assunto.

A Pintura e os anjos

2009-04-02T10:22:00.001+01:00

Sam-Taylor Wood, 2007

Há muitos, muitos anos, numa noite de intensa trovoada a minha avó justificava perante mim:
- São os anjinhos que estão a arrumar a casa.
Acalmei!
De imediato imaginei os anjinhos a arrastarem os móveis e, nos intervalos silenciosos da noite, conseguia vê-los a argumentarem uns perante os outros quais os melhores lugares para cada um dos móveis.
Sem duvidar da certeza da justificação muitas dúvidas surgiam diante de mim enquanto lá fora chovia copiosamente.
Os anjos teriam comprado móveis novos ou seria apenas uma mudança de local dos mesmos?
Será que colocam Pintura nas paredes?
E que tipo de Pintura?
Teria sido feita na terra, no céu ou em que lugar?
Será que a sua casa não tem paredes?
Fará sentido a casa dos anjos ter parede?
Que mundos se descobrirão nessa Pintura? O nosso mundo, o mundo dos anjos ou o mundo dos deuses?
Apenas me era difícil imaginar que os anjos existissem sem Pintura, porque foi esta que os gerou.
Ou será simplesmente que aquela trovoada não resultava da arrumação da casa dos anjos?
Prefiro pensar que sim, embora não saiba exactamente o valor deste sim.

De que falamos quando falamos de Pintura

2009-04-01T23:05:00.001+01:00

De que falamos quando falamos de pintura?
Este é o título da parte conclusiva de uma obra de Isabel Sabino (A Pintura Depois da Pintura, Lisboa, Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, Biblioteca d’Artes, 2000, pp. 227-230) cuja leitura, consulta ou estudo recomendo vivamente na sua totalidade.
Para responder aquela pergunta são formuladas duas hipóteses: «a pintura é apenas aquilo que só pode ser pintura» e «a pintura é o que diz respeito à pintura». Se com a primeira estamos na presença da Pintura remetida para o essencial de si própria, na segunda estamos no âmbito dos mundos que a Pintura experimenta.
A Pintura tem a idade do Homem e só findará quando ele.
Sobre ela é necessário que não hajam preconceitos, nem que se confundam os seus fundamentos com as tecnologias.
Os fundamentos da Pintura são um modo de pensar e de fazer, do mesmo modo que qualquer outro ramo do conhecimento.
As tecnologias correspondem aos lugares, aos tempos e ao conhecimento e estão ao nosso dispor sempre renovadas.
A Pintura, como toda a Arte, consegue frequentemente anteceder a Ciência por via da sua atitude interrogativa e experimental com práticas laboratoriais diárias. A fotografia e a física quântica são dois exemplos da capacidade de antecedência dessa lógica laboratorial cujo método, por se basear na amostragem da experiência e não na sua comprovação, não é reconhecido como científico.
Na actividade artística prevalece a imagem da obra concluída mas, para os produtores, esta é apenas a síntese de uma longa investigação vivida no espaço mágico onde os seus inventos nascem. Este espaço de magia e de invenções, por preconceitos românticos, tem sido entendido e arredado para o universo das emoções e das sensibilidade expressivas, não sendo visto como local de investigação cientifica.
No entanto por outro lado a Pintura tem-se servido da ciência para prosseguir na construção do seu devir como é o caso, e só para anotar tempos mais próximos, da tecnologia do acrílico, depois dos anos 50 e das tecnologias digitais, nas últimas duas décadas.

Mistério (IV)

2009-03-31T16:15:00.001+01:00

Ilidio Salteiro, Mistério (VI), óleo sobre tela, 30 cm x 30 cm, 2008

Ser Pintura

2009-03-30T20:17:00.002+01:00

Há muitos milhões de anos que a Pintura vem adquirindo um saber específico, sempre em constante acumulação, que lhe advém da sua actuação ao serviço do espírito humano.
É frequente designar-se a Pintura como uma das Artes que o Homem utiliza para enfrentar o destino da sua sobrevivência.
No entanto, não havendo dúvidas de que a Pintura é uma Arte, nem todas as pinturas o são. Por ventura procurarão e desejarão sê-lo; terão mesmo esse objecto explícito ou subjacente mas, será difícil admitir-se que «todas as pinturas do mundo» o sejam. E quando falamos em «todas as pinturas do mundo» estamos a referirmo-nos a qual dos mundos?
O que acabámos de referir em relação à Pintura poderia ser referido em relação a qualquer outra Arte, como por exemplo a Música. Admitindo que «todas as músicas do mundo» tenham sido compostas com o objectivo de serem Arte, certamente que nem todas o serão.
Mas esta confusão, a meu ver aparente, interessa a todos porque se tudo for Arte, todos os fazedores de Arte serão Artistas. Assim sendo, com este estatuto, fica garantida a qualidade de uma produção passada presente e futura, e esse Artista torna-se veículo aliciante para o mercado da Arte que, à partida, vê garantido o valor de um património mesmo quando este não estiver ainda realizado.
A vulgarização dos termos Arte e Artistas são habitualmente aplicados nos mais variados discursos e circunstâncias, mesmo em manuais de História da Arte, tornando difícil distinguir entre o genérico e o essencial.
Estamos apenas perante uma aparentemente ingénua confusão entre a aplicação da palavra Arte umas vezes como adjectivo e outras como substantivo de acordo com conveniências
Concluindo dizemos apenas que, entre o «ser Arte e ser Artista» e o «ser Pintura e ser Pintor», estes são sobretudo «seres substantivos». (I. Salt. 2009)

Gerhard Richter / Cologne Cathedral and Museum Ludwig, Cologne Video

2008-10-09T21:04:00.002+01:00

4900 colours, Serpentine Gallery, London, 2008

Video da inauguração dos vitrais na Catedral de Colonia em Agosto de 2007:

Gerhard Richter / Cologne Cathedral and Museum Ludwig, Cologne Video

Pedro Calapez na Casa da Cerca

2008-10-02T00:10:00.000+01:00

Porta na Igreja da Santissíma Trindade em Fátima, 2oo8

Porque de Pintura se trata, sugiro uma viagem à outra banda do rio, à Casa da Cerca, onde encontrarão um vasto conjunto de trabalhos de Pedro Calapez sob o título «Branca e neutra claridade» que, estou certo, vos enriquecerá tanto a vós como a mim.
Para obterem informações sobre horários da exposição consultem Casa da Cerca e para uma análise mais detalhada da obra do Pedro Calapez iniciem a visita pelo espaço on-line, ou por bibliotecas.

A Situação da Arte em Portugal

2008-10-01T08:51:00.002+01:00

Estudar «Pintura» passa obrigatoriamente por VÊ-LA.

É necessário conhecer os espaços onde a «Pintura» é mostrada.

Os espaços que enumeramos a seguir são alguns dos que podem reflectir o estado da arte actual em Portugal.

Fundação Serralves
Fundação Calouste Gulbenkian
Culturgest
Centro Cultural de Belém
Museu de Arte Contemporânea
Filomena Soares
Cristina Guerra

Plataforma Revolver

Zé dos Bois
Artecontempo
111
Fernando Santos
Arte Capital
Baginski
Vera Cortez
Casa da Cerca

Jodi

2008-09-07T23:15:00.004+01:00

Navegar um pouco faz bem. Mas voltem......

Aos meus amigos

2008-09-04T23:13:00.002+01:00

Como estão?
Como sempre as férias acabam e ficamos à espera de mais.
É o caso neste momento.
Durante algum tempo mudei de vida: viagei para longe; nadei nas águas do mar, conduzi carros, bicicletas e tratores; cavei, colhi frutas, podei alfarrobeiras e pinheiros mansos e cozinhei para muita gente.
Mas amanhã tenho um exame, conversas, reuniões para planificações e etc.
Estou a tentar arrumar depressa tudo isto, para encontrar espaço mental para produzir Pintura ainda antes do final deste ano. As férias motivaram-me muito! Planos não faltam! Preciso de aproveitar este momento porque, no contexto contemporâneo, ninguém mais nos motiva...
E sobre a tua saúde. Já foram ao médico? Está tudo bem? Desejo muito que sim!
Gostava de dar noticias mais especificas sobre Pintura, sobre a minha Pintura; mas as certezas são iguais às duvidas e no final apenas estou cada vez mais concentrado em defini-la... como uma parte da Arte.
Talvez aqui possas ver alguma coisa deste puzzle / poliptico / politico ainda em congeminação.
Um beijinho e um abraço
Ilidio

Vinheta III - 20/33

2008-08-02T00:14:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 20/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 19/33

2008-08-01T00:11:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 19/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 18/33

2008-07-31T00:09:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 18/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 17/33

2008-07-30T00:04:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 17/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 16/33

2008-07-29T00:02:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 16/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 15/33

2008-07-28T00:09:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 15/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 14/33

2008-07-27T17:57:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 14/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 13/33

2008-07-26T00:51:00.000+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 13/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 12/33

2008-07-25T00:20:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 12/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 11/33

2008-07-24T00:57:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 11/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 10/33

2008-07-23T00:55:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 10/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 9/33

2008-07-22T00:52:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 9/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 8/33

2008-07-21T00:48:00.001+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 8/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 7/33

2008-07-20T00:46:00.002+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 7/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 6/33

2008-07-19T00:39:00.002+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 6/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 5/33

2008-07-18T00:14:00.003+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 5/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 4/33

2008-07-17T00:06:00.003+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 4/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 3/33

2008-07-16T00:03:00.003+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 3/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 2/33

2008-07-15T00:56:00.005+01:00

I. Salt., 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 2/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008.

Vinheta III - 1/33

2008-07-14T23:48:00.008+01:00

I. Salt, 19. 54. N., 75. 09. W., (pormenor 1/33), óleo sobre papel, 150 cm x 200 cm, 2008

What do you expect from an art institution in the 21st century

2008-07-13T22:16:00.003+01:00

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NOT MUCH. Based upon passed performance
Lawrence Weiner, in What do you expect from an art institution in the 21st century, Paris, Palais de Tokio, 2001, p.89.
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What do you espect from an art institution in the 21st century?

2008-07-10T00:50:00.002+01:00

Uma publicação editado pelo Palais de Tokio, em 2001, cujo título é O que espera de uma instituição artística no século XXI?, no seu inicio foi motivada clara e naturalmente pelp interesse próprio da instituição em saber qual o papel que poderia desempenhar no meio em que estava inserida. Mas o vastíssimo conjunto de respostas que contém, dadas pelos mais variados sectores intervenientes no mundo actual da produção e divulgação da arte, deixou um debate continuado e momentos oportunos para muitas reflexões.
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What do you expect from an art institution in the 21st century?
I expect an art institution to render the art more interesting than the institution.
Jean-Max Colard, Les Inrockuptibles

Mostly Mozart

2008-07-06T00:59:00.000+01:00

«I cannot write in verse, for I am no poet. I cannot arrange the parts of speech with such art as to produce effects of light and shade, for I am no painter. Even by signs and gestures I cannot express my thoughts and feelings, for I am no dancer. But I can do so by means of sounds, for I am a musician.» Wolfgang Amadeus Mozart

Lagoa Henriques

2008-07-05T00:26:00.002+01:00

«O grande problema do nosso tempo é conciliar a técnica com a ética, a estética e a poética.»

Esta frase tem sido a chave de vida de Lagoa Henriques e o princípio ordenador do seu processo criativo.

http://www.lagoahenriques.com/

Plinio

2008-07-04T16:08:00.002+01:00

«La question des origines de 1a peinture est obscure et n'entre pas dans le plan de cet ouvrage. Les Égyptiens déclarent qu'elle a été inventée chez eux six mille ans avant de passer en Grèce: vaine prétention, c'est bien évident. Quant aux Grecs, les uns disent que le principe en a été découvert à Sicyone, les autres à Corinthe, et tous reconnaissent qu'il a consisté à tracer, grâce à des lignes, le contour d'une ombre humaine: ce fut donc là, selon eux, la première étape; dans la seconde, on employa les couleurs une par une, d'où le nom de monochrome usité quand on eut trouvé un procédé plus complexe, et cette méthode est encore en usage aujourd'hui».

Pline L'Ancien, Histoire Natturelle XXXV, La Peinture, Paris, Société d' édition Les Belles Lettres, 1997, p. 15.

Günther Förg

2008-07-02T00:21:00.000+01:00

Gunther Forg, sem titulo, 2007

A Galeria Filomena Soares até tem exposto um processo de Pintura pertinente e enquadrável no contexto do nosso tempo. O gesto, a repetição, os ritmos e a policromia pardacenta são os elementos da sintonia destas composições abstractas.
No entanto, nestas «New Paintings» não entendi a figuração de uma auto representação, explícita no canto superior direito, em quase todas as obras, sob a forma de um autógrafo de grandes dimensões.
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Galeria Filomena Soares, Günther Förg, New Paintings, 2008-06-19 2008-09-20.

Bill Viola e James Turrell

2008-07-01T00:33:00.000+01:00

Quando a Pintura utiliza o vídeo ou a luz como médiuns encontramos no trabalho de Bill Viola ou James Turrel dois processos diferenciados mas ao mesmo tempo muito convergentes por causa do pensamento pictórico implicado e explicito na totalidade das suas obras.
Entre Junho e Setembro (até 9) podem ser vistos no Museu Regional de Faro dois trabalhos destes dois autores:
Bill Vila, Il Vapore, uma instalação vídeo de 1975.
James Turrel, Fargo, Blue, uma projecção de 1967.
Para mais informação recomendamos uma visita a Bill Viola ou a James Turrel.

Where is the centre of the world?

2008-06-30T00:22:00.000+01:00

The spider in the museum

2008-06-29T00:55:00.000+01:00

I.Salt., Louise Bourgeois, 2008

O Museu

2008-06-28T00:05:00.003+01:00

I.Salt. 2008.

Depois de algumas remodelações o Museu de Arte Moderna de Paris, Centre George Pompidou, reabriu as suas portas no início de 2008 para mostrar a Maior Colecção.
Perto uns dos outros e na mesma cidade, o Louvre, o Orsay e o Beaubourg (e outros) são apenas o mesmo museu.

Gesto idiota

2008-06-27T16:54:00.001+01:00

Visita museus?
Quase nunca. Não vou ao Louvre há vinte anos. Já não me interessa por causa desta dúvida que tenho a respeito do valor desses julgamentos que decidiram que todos aqueles quadros deveriam ser expostos no Louvre em vez de colocar outros que nunca foram considerados e que poderiam lá estar. No fundo, as pessoas satisfazem-se muito bem com essa opinião de que existe uma espécie de paixão passageira, uma moeda baseada no gosto momentâneo; este gosto momentâneo desaparece e, apesar de tudo certas coisas ainda ficam. Isto não se explica muito bem e também não pode ser muito bem defendido.
No entanto aceitou que todas as suas obras ficassem num museu?
Aceitei porque existem algumas coisas práticas na vida que não se pode impedir. Não ia recusar. Poderia tê-las rasgado ou quebrado, o que seria também um gesto idiota.
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Marcel Duchamp, Engenheiro do tempo perdido, entrevista com Pierre Cabanne, 1967, (tradução de António Rodrigues), Lisboa, Assírio Alvim, 1990, p. 111.

O segredo de Marcel Duchamp

2008-06-26T22:45:00.012+01:00

«O artista só existe se for conhecido. Por consequência, pode-se considerar a existência de cem mil génios que se suicidam, que se matam, e que desaparecem porque não souberam fazer o necessário para que fossem conhecidos, para se imporem e conhecerem a glória»

Marcel Duchamp, Engenheiro do tempo perdido, entrevista com Pierre Cabanne, 1967, (tradução de António Rodrigues), Lisboa, Assírio Alvim, 1990, p. 110.

Será que o «segredo» de Marcel Duchamp era:
Ser conhecido?
Impor-se perante os outros?
Conhecer a glória?
Este «segredo» serve-lhe de alguma coisa neste momento?

Quem é quem na Documenta 13

2008-06-25T00:05:00.002+01:00

I.Salt., IX - Paulo Herkenhoff, colagem sobre papel, 2008

Paulo Herkenhoff nasceu em 1949. Fez um mestrado em Direito Constitucional pela Universidade de Nova York e foi professor de Direito na Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro trabalhando ainda num escritório de advocacia.
Também fez tentativas de integração no universo de expressão visual através de algumas aulas (pintura e desenho) com Ivan Serpa (1923-1973).
Recentemente foi curador do Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), da Fundação Eva Klabin Rapaport, da 9ª Documenta de Kassel (1991), da 24ª Bienal de São Paulo (1997-1999) e dirigiu o Museu Nacional de Belas Artes no Rio de Janeiro até Janeiro de 2006. Em Abril de 2008 foi nomeado para o comité que irá decidir sobre o director da próxima documenta.